C’est une grève sans précédent qui aura lieu mercredi 30 novembre 2011 au Royaume Uni. Il s’agira en effet de la plus importante grève depuis 1926 !  Les employés du secteur public cesseront le travail afin de protester contre la réforme annoncée de la retraite, qui prévoit de travailler plus longtemps en cotisant plus, pour au final toucher moins. Parmi les actions entreprises, les deux tiers des écoles seront fermées, les bibliothèques et Jobcentres (l’équivallent de notre ANPE) seront eux aussi fermés, le NHS (National Health Service, le système de santé public et gratuit britannique) sera touché, de même que le système judiciaire, et l’on parle de retards et d'annulations de vol, voire de chaos, dans les aéroports.

La réforme a déjà fait l’objet d’une révision, et le gouvernement conservateur de David Cameron espérait au début du mois de novembre que la nouvelle mouture serait acceptée par les syndicats qui, peu satisfaits par ce que le Premier Ministre nommait une « offre juste », ont maintenu leur mot d’ordre de grève.

Le gouvernement britannique argue que la réforme des retraites s’impose dans la mesure où les gens ayant de nos jours une espérance de vie allongée, il est normal que le nombre d’années de cotisations soit augmenté. Le coût des retraites des employés du secteur public, payées par les impôts, ayant augmenté d’un tiers, a-t-il annoncé, il n’était pas possible de laisser ces coûts augmenter encore. Pour justifier sa réforme, le gouvernement britannique avance que de toute façon les retraites du secteur public resteront supérieures à celle du secteur privé. Dans l’ensemble, côté conservateur, on pense également qu’il n’y a pas de raison que ceux du secteur privé doivent continuer à subventionner par leurs impôts les retraites d’un secteur public déconnecté de la réalité économique.

Il semblerait que peu de gens au Royaume Uni contestent l’utilité d’une réforme en elle-même, car le désaccord entre les syndicats et le gouvernement porte sur son contenu et non sur le principe même d’une réforme. Le leader syndical Brendan Barber (Secrétaire Général du Trade Union Congress) précise en effet que ce n’est pas le changement en lui-même qui est contesté, mais le fait que cette réforme, avec ses augmentations importantes dans les cotisations, est injuste et donne le sentiment qu’elle servira surtout à réduire le déficit à court terme.

Les syndicats ont jugé que les améliorations apportées à la réforme par le gouvernement étaient minimes, et espéraient qu’il dépose une offre plus acceptable. « En l’état actuel des choses, le plan pour le 30 novembre est maintenu » a annoncé Barber au début du mois de novembre. Il a plus tard renouvelé auprès du gouvernement sa demande de nouvelles propositions. Il précise que les fonctionnaires sont démoralisés, et sont motivés à faire grève par un immense sentiment d’injustice. Finalement, il pense que le gouvernement conservateur va subir des conséquences au niveau politique si aucun terrain d’entente n’est trouvé. Paul Kenny, un autre leader syndical, a fait remarquer que la grève était inévitable, et que c’était « très dommage ».

Côté Labour, on avance que les modifications de la réforme sont un pas dans la bonne direction, mais qu’il reste beaucoup à faire.

Certains Britanniques sont donc partagés quant au bien fondé de la grève elle-même. Ceux qui sont pour font remarquer qu’elle est justifiée parce qu’il n’est pas normal de devoir travailler plus longtemps en cotisant davantage pour au final recevoir une retraite réduite, et qu’on ne peut avoir la même énergie au travail lorsqu’on est jeune ou que l’on est proche de la retraite. Des employés du secteur privé interrogés par la BBC ne comprennent pas, quant à eux, ce qui motive ceux du secteur public, qui bénéficient de la garantie de l’emploi et sont certains d’obtenir au moins cinquante pour cent de leur salaire à la retraite, à stopper le travail.

Cependant, un sondage de la BBC News révèle que 61% des Britanniques pensent que la grève des employés du secteur public est justifiée. Les jeunes y seraient plus favorables que les personnes déjà retraitées.

Deux millions de personnes sont attendues dans la rue lors des manifestations de mercredi. Devant un pays brusquement à l'arrêt et deux millions -au moins- de personnes dans les rues, quelle sera la réponse du gouvernement conservateur de David Cameron ?

 

 

(Ps : juste une précision, histoire de ne pas trop simplifier : le gouvernement de David Cameron n'est pas totalement conservateur puisqu'il s'agit d'un gouvernement de coalition avec les Liberal Democrats. Celà dit, il y a tout de même 18 ministres conservateurs pour 5 LD)

 

 La Cinémathèque de Paris présente, depuis le 19 octobre, une exposition consacrée à Metropolis, le chef d’œuvre de Fritz Lang. Œuvre avant gardiste amputée de plus d’un quart de son contenu juste après sa sortie en 1927, présentée en différentes versions selon les pays et le public visé, restaurée, reconstruite en de multiples occasions et tentatives plus ou moins heureuses, on peut dire que peu de films auront connu un tel destin ! Cette exposition exceptionnelle, qui mérite que l’on vienne de loin pour la voir, est présentée à l’occasion de la sortie en France, le 5 octobre dernier, du DVD de la toute dernière version de ce film, patiemment restaurée de 2008 à 2010, qui montre, pour la première fois depuis plus de quatre-vingt ans, le chef d’œuvre dans sa presque intégralité. Un événement à ne pas manquer !

Fritz Lang était sûrement loin d’imaginer le destin qu’allait connaître son futur film Metropolis lorsqu’il visita, en 1924, la ville de New York, dans le but d’y présenter son film Die Niebelungen qui venait de connaître un énorme succès. L’architecte de formation (il entreprit des études d’architecture pour obéir à son père, mais n’exerça jamais) et amateur d’art fut ébloui par la vision des gratte ciels, notamment le Woolworth, et cette vision lui inspira, dit-on, dit-il lui-même, son futur scénario. D’autres sources affirment qu’ « en réalité, il avait annoncé son projet quelques mois plus tôt, à Vienne, avec Théa Von Harbou. » (1) Théa Von Harbou, sa scénariste puis épouse, qu’il quitta, cette fois de façon définitive, en 1933 lorsqu’il partit en exil, alors qu’elle choisissait de rester en Allemagne et rejoindre le parti nazi. C’est Théa Von Harbou qui est à l’origine du scénario de Metropolis et qui écrivit en 1926 le roman du même nom. Les sources diverses ne précisent pas de façon très claire si le roman fut écrit avant, ou après le scénario.

A l’époque de cette première visite américaine, Fritz Lang, citoyen allemand d’origine autrichienne né en 1890, ne se doutait donc pas que ce pays deviendrait quelques temps plus tard sa terre d’adoption, ayant été contraint et forcé de quitter l’Allemagne après que Goebbels, conquis par son travail, lui ait « proposé » lors d’un entretien de devenir le cinéaste officiel du parti nazi. Lang, qui n’y tenait évidemment pas, s’est sorti de cette situation délicate en demandant un délai de réflexion. Rentré chez lui, il aurait fourré à la hâte quelques affaires dans un sac et aurait sauté, en pleine nuit, dans le premier train pour Paris. Cette version du départ précipité en pleine nuit est parfois remise en question, toujours est-il que Lang s’enfuit bel et bien. Le vent le porta ensuite jusqu’aux Etats Unis. Il y a donc une rupture dans sa carrière entre sa période dite « allemande » et sa période dite « américaine », les films muets qu’il a réalisés appartenant à la période allemande.

Expressionnisme. 

Cette période allemande, c’est celle du cinéma expressionniste , bien que Fritz Lang ait refusé, peut-on lire parfois, d’être classé parmi les adeptes de ce mouvement artistique , qui est en fait presque un état d’esprit, en ceci qu’il marqua une rupture dans la manière de représenter la réalité. Son film Metropolis est pourtant considéré comme une des œuvres majeures du cinéma expressionniste allemand (l’exposition le présente comme une œuvre se situant à la frontière de l’expressionnisme et de la Nouvelle Objectivité ), au même titre que Le Cabinet du Docteur Caligari  (2)  de Robert Wiene, sorti en 1920, dont le producteur Erich Pommer avait d’ailleurs proposé le sujet en premier à Fritz Lang, ou le Faust de Murnau (1926).

Le terme « expressionnisme » vient du mot « expression ». Expression déformant les traits naturels du visage au repos, par exemple. Le mouvement expressionniste est flou, il n’a pas vraiment de début, encore moins de véritable fin, bien que sa fin ait été datée de façon officielle, ce qui fait que de nombreux films récents sont qualifiés eux aussi d’expressionnistes. Il n’eut pas de Manifeste comme ce fut le cas pour le surréalisme, et s’est épanoui notamment après la première guerre mondiale en Allemagne, dans le domaine de la peinture, plus tard dans celui de la sculpture et l‘architecture (3), avant son apparition au cinéma. Au niveau architectural, on remarquera bien sûr la tour Einstein , l’observatoire astronomique de 1921 construit à Potsdam. Certains architectes (et peintres) se lancèrent d’ailleurs dans les décors de cinéma. Le décor deviendra par la suite l’un des éléments clés du cinéma expressionniste.

De nombreuses peintures expressionnistes ont vu le jour dès le début du vingtième siècle, puis ont été qualifiées, ainsi que leurs auteurs, de dégénérées par les nazis, qui ne supportaient pas la liberté avec laquelle les peintres exprimaient la réalité. Ces œuvres furent alors bannies des musées. Une exposition de ces œuvres, intitulée « Art dégénéré » eut d’ailleurs lieu à Munich en 1937, que la plupart des gens vinrent visiter animés par un esprit de rejet, de détestation et d’incompréhension totale. Il ne s’agissait pas, pour les artistes expressionnistes, de reproduire la réalité objective, mais celle qui leur est dictée par leur vision intérieure.

« Que pensez-vous de l’expressionnisme ? » demande un personnage au Docteur Mabuse dans un autre célèbre film de Fritz Lang. « L’expressionnisme n’est qu’un jeu… » répond-il. « Pourquoi pas d’ailleurs ? Tout est jeu aujourd’hui. »

Au début, le terme « expressionnisme » signifiait en Allemagne « moderne ». Le mouvement artistique se fonda au départ sur le rejet de l’impressionnisme français, ce qui engendra dans les œuvres produites lignes droites, diagonales, angles aigus et cassés, et représentations de murs en porta faux que l’on retrouvera plus tard dans les décors du cinéma expressionniste. La perspective était traitée de manière différente. Ce qui caractérise notamment le cinéma expressionniste, ce sont donc les décors souvent composés de formes géométriques absurdes, mais également les éclairages brutaux, comme par exemple ceux d’un visage montré en gros plan, les jeux d’ombres et de lumières, les effets de caméra si typiques et les trucages. La nouvelle géométrie architecturale (distorsion des perspectives, rejet des angles droits…) symbolisera également, dans le cinéma expressionniste, l’état mental du personnage, la confusion de l’esprit, la folie étant l’un des thèmes de prédilection de ce courant artistique.

Le thème du double est également très présent dans le cinéma expressionniste, notamment dans les films de Fritz Lang où il joue un rôle primordial (voir la fausse Maria de Metropolis), ainsi que l’absence de nature, les relations d’emprise et de fascination des personnages, le symbolisme, la présence de l’inconscient et la confusion entre le cauchemar et la réalité.

Metropolis.

2026. La mégalopole de Metropolis se divise en deux parties bien distinctes : la ville d’en haut, aussi nommée “Cité des Fils” où vit un peuple de nantis insouciant et oisif, dont les seules préoccupations sont de s’amuser, organiser des tournois sportifs et se promener dans les “Jardins Eternels”, sortes de paradis terrestres contrastant avec l’enfer de la ville d’en bas, celle des profondeurs, privée de la lumière du jour, où   vivent et triment les ouvriers des machines de Metropolis, ceux dont dépend la bonne marche de la cité, que l’on désigne par leurs numéros. Il est intéressant de constater que le texte du générique, au début du film, défile de bas en haut, en un mouvement ascendant, lorsqu’il présente le monde d’en haut, et de haut en bas, en un mouvement descendant, lorsqu’il décrit le monde souterrain.

La cité de Metropolis rappelle un peu le Titanic, avec les salles des machines ou suaient sang et eau les ouvriers dont dépendait la bonne marche du navire, tandis que sur les ponts supérieurs, ignorante et insouciante de ce qui se passait en dessous, se délaissait la bonne société. A ceci près que sur le Titanic voyageaient également des passagers de seconde et troisième classe, alors qu’à Metropolis, il ne semble pas y avoir de classes intermédiaires entre les nantis et les miséreux, mis a part pour des personnages comme Josaphat, employés de Joh Fredersen, le créateur et Maître de la cité, et donc forcément un rang ou deux en dessous de lui.

Freder est le fils de Joh Fredersen. Fredersen, un homme froid et insensible qui n’hésite pas à mettre à la porte, autant dire à la rue, Josaphat pour des fautes mineures. Un jour, alors que Freder s’amuse dans les Jardins Eternels avec celle désignée pour lui tenir compagnie ce jour-là, débarque Maria, une habitante de la ville d’en bas, accompagnée de nombreux enfants d’ouvriers ébahis par les merveilles qu’ils découvrent, et dont ils ne soupçonnaient pas l’existence. « Regardez, ce sont vos frères » dit Maria en désignant aux enfants ces personnes étranges. Les deux « camps » se regardent quelques instants avec dans les yeux la même expression d’étonnement et de fascination que s’ils avaient débarqué sur une nouvelle planète et faisaient pour la première fois connaissance avec ses habitants. La façon dont cette scène est tournée, les effets de caméra utilisés pour montrer Maria et Freder se dévisageant comme s’ils se découvraient à travers un mur de brume, ou comme s’ils vivaient dans deux univers parallèles qui ne pouvaient entrer en contact direct sans créer des interférences, des courts circuits dans l’espace-temps, renforce cette impression d’étrangeté. Pour Freder, c’est le coup de foudre immédiat. Il est fasciné par la beauté naturelle, sans fards, de cette femme au visage angélique. Mais déjà Maria doit partir, chassée par une espèce de Maître de Cérémonie, qui s’éponge ensuite avec soulagement (mais aussi embarras) le visage avec son mouchoir, comme si l’on avait évité de justesse la catastrophe. Son embarras, il le doit au fait que l’on n’est pas supposé montrer aux habitants de la ville d’en haut la réalité du monde d’en bas, les gens, leurs guenilles, leur misère, et risquer ainsi de gâcher leur journée ou corrompre leur esprit. Les deux mondes s’ignorent et s’évitent.

Cependant, la venue de Maria montre que ces deux mondes ne sont pas totalement cloisonnés, et que l’on peut se rendre de l’un à l’autre sans difficulté. Freder décide de descendre dans la ville d’en bas, à la recherche de Maria dont il est désormais éperdument amoureux. Apres avoir pris la place (il lui annonce vouloir échanger sa vie avec lui) de Georgy, l’ouvrier numéro 11811 qui sue dix heures par jour sur une étrange machine en forme de pendule dont il doit manipuler sans cesse les aiguilles, Freder découvre l’insupportable existence des ouvriers, véritables esclaves au service des nantis d’en haut, marchant au pas cadencé, travaillant comme des robots complètement déshumanisés. Pris d’hallucination après avoir assisté à une terrible explosion, Freder voit les ouvriers se faire dévorer par les machines devenues démons. Il découvre également que, le soir après le travail des ouvriers, Maria prêche la paix entre les classes sociales dans les catacombes, situées bien en dessous des niveaux les plus bas de la ville souterraine, dont une partie a été aménagée en une sorte d’église au décor agrémenté de nombreuses croix de bois. Maria croit en la venue prochaine d’un « médiateur », qui saura unir le cerveau (les concepteurs de Metropolis) et la main (les ouvriers de la ville d’en bas) grâce au cœur, qu’il incarnera. « Le médiateur entre le cerveau et la main, c’est le cœur » affirme-t-elle en effet, demandant aux ouvriers à la limite de la révolte de patienter encore un peu. Elle utilise la légende de la tour de Babel pour illustrer ses propos. La tour au sommet de laquelle vivent Freder et son père se nomme d’ailleurs “Nouvelle Tour de Babel”.

Mais déjà, Joh Fredersen apprend l’existence de ces réunions clandestines. Afin d’obtenir de l’aide, il rend visite à Rotwang, un savant à moitié fou qui ne lui a jamais pardonné de lui avoir ravi le cœur de Hel, la femme qu’il aimait, devenue mère de Freder et morte en donnant la vie à son enfant. Fredersen apprend par hasard que le savant construit un robot, à qui il compte donner le visage de Hel dans le but de la faire revivre pour lui. Une dispute a lieu entre les deux hommes, mais ils descendent malgré tout ensemble dans les catacombes et observent à travers un trou dans le mur la réunion à laquelle participe Freder. Fredersen ne reconnaît pas son fils parmi les ouvriers, mais Rotwang a déjà compris (voir le montage de la scène précédente, où   Rotwang présente le robot à Fredersen). C’est alors que Fredersen demande à Rotwang de changer ses plans, et de donner au robot le visage de Maria, afin de lui faire prêcher non plus la paix, mais la révolution. Il aura ainsi un prétexte pour utiliser la violence contre les ouvriers.

Maria est kidnappée dans les catacombes par Rotwang, dans une scène aux jeux d’ombres et de lumières mémorables, et remplacée par son double, une fois son visage donné au robot, qui sème en effet la zizanie, mais en obéissant non aux ordres de Fredersen, mais à ceux de Rotwang qui se sert de cette fausse Maria pour se venger de Fredersen. Les ouvriers se révoltent et détruisent les machines, y compris la principale, la « machine-cœur », provoquant une gigantesque inondation dans la ville d’en bas, sorte de déluge qui paralyse toute la cité, promesse peut-être de l’avènement d’une ère nouvelle, mais dans lequel manquent de périr leurs enfants.

On se doute que Freder est le médiateur qu’attend patiemment Maria. La fin du film montre Grot, le contremaître, et Fredersen, parvenant à surmonter la gêne pour le premier, la répugnance à se rapprocher d’un être socialement inferieur pour l’autre, et se serrant enfin la main, épaulés par le médiateur qui leur montre le chemin de la réconciliation et de la coopération.

Les Américains de l’époque ont vu dans Metropolis la présence de messages communistes, d’appels à la lutte des classes et à la révolution, tandis que d’autres observateurs ont relevé la tendance de l’Allemagne telle qu’elle fut incarnée par Théa Von Harbou, dont il faut rappeler qu’elle est l’auteur du scénario, de faire coopérer les classes sociales et d’étouffer les désirs de révolution des classes opprimées. Le film ne remet en effet pas en question l’organisation pyramidale de la société, suggérée dans un des textes du générique de début, qui défile dans une présentation triangulaire. Il ne s’agit pas de détruire un système pour le remplacer par un autre, et le message est très clair sur le bien-fondé d’entamer une révolution, ainsi que sur les conséquences d’un tel acte, présenté comme irresponsable par le contremaître lui-même, qui tente de faire comprendre aux ouvriers qu’ils ne sont rien sans les machines qui les gouvernent, et leur annonce que, par leur faute, les enfants sont pris au piège de l’inondation.

Apres tout, la fausse Maria, celle qui prêche la haine et la révolution, représente le mal absolu, les sept péchés capitaux, tandis que la vraie Maria, qui est la vertu, la pureté et l’innocence incarnées, parle d’amour, calme les rancœurs, les désirs de vengeance et parvient à maintenir la paix sociale, en dépit du désespoir ambiant, des conditions de travail désastreuses et même des explosions (la scène précédant l’explosion à laquelle Freder assiste montre le mercure montant dans un thermomètre, suggérant que le ton monte chez les ouvriers, et que la révolte n’est pas loin) qui emportent de nombreux ouvriers dans la mort.

La représentation de la mort, mais aussi des sept péchés capitaux, est présente tout au long du film. Le roman de Théa Von Harbou développait plus amplement que ne le fit le scenario et le film, semble-t-il, le thème biblique et l’aspect religieux. La mort est représentée par une statue de pierre tenant une faux, qui se met soudain en mouvement lorsque Freder, croyant que son père a conquis le cœur de Maria, est pris de fièvre et de délire. Là encore, durant cette scène où Freder est en proie au choc psychologique, les effets de caméra et les trucages utilisés par Fritz Lang sont extraordinaires pour l’époque. Ces ajouts de flashes et d’éclairs lumineux dans l’image, l’utilisation de flous, la façon dont la caméra bouge pour exprimer le vertige qui assaille Freder, sa vue qui se brouille, sa descente aux enfers, sont même de l’ordre de l’expérimentation cinématographique.

Fritz Lang n’hésitait pas en effet à imprimer des mouvements à sa caméra. Voir également la scène de l’inondation, lorsque les personnages montent l’escalier pour tenter de s’échapper. L’exposition de la cinémathèque révèle que lors du tournage de Metropolis, Lang plaça notamment la caméra sur une nacelle à laquelle il imprima un mouvement de balancier, qui « provoque un sentiment d’angoisse chez le spectateur » (UFA Magazin). Deux photos de tournage présentes à l’exposition montrent le réalisateur en pleine action avec cet ingénieux système. Les « adeptes » de l’expressionnisme utilisaient en effet tout ce qui pouvait provoquer une émotion, une réaction du spectateur.

La mort est présente tout d’abord de par celle de Hel dont on peut supposer qu’elle est responsable du caractère glacial de Fredersen. L’un des rares moments où il se laisse aller à une émotion (retenue, comme l’acteur Alfred Abel, qui incarne Fredersen, savait si bien le faire) est lorsqu’il découvre la statue du visage de sa défunte épouse chez Rotwang, cachée derrière un rideau. Elle est présente par le fait que Freder, qui ne craignait pas sa venue avant de connaître Maria (preuve que son existence superficielle ne lui apportait aucune joie réelle), l’implore de l’épargner désormais, lui et sa bien-aimée. Elle intervient lors du délire auquel Freder est la proie alors qu’il se retrouve alité, et pour venir à bout de Rotwang lors de l’une des scènes finales du film, alors que le combat entre lui et Freder, sur le toit de la cathédrale, fait rage.

Il est intéressant de faire le parallèle entre cette monumentale cathédrale de la cité d’en haut et la petite église clandestine du monde souterrain, dans laquelle prêche Maria (la vraie), pauvre et dépourvue de lumière naturelle mais toujours remplie de fidèles venus y chercher le réconfort et le soutien moral qui leur permet de tenir. Il est intéressant également de faire le parallèle entre cette même cathédrale, temple de la foi, et la maison de Rotwang, temple de la science, mais aussi siège de la magie et de l’occultisme, dans laquelle les portes s’ouvrent et se ferment toutes seules, emprisonnant ainsi les malencontreux visiteurs des lieux, où des robots sont transformés en humains grâce à de savants procédés mettant en jeu de mystérieux liquides bouillonnant dans des tubes et ballons de verre, où d’effrayants transferts d’énergie ont lieu, provoquant éclairs et anneaux de feu. Lang était particulièrement intéressé par l’opposition entre le monde de la magie, de l’occultisme, et celui de la technologie pure et du modernisme. On peut aussi faire le parallèle entre les machines du monde souterrain et certains instruments scientifiques du laboratoire de Rotwang, qui sont d’ailleurs parfois filmés avec les mêmes effets spéciaux lorsqu’ils sont en marche. Du reste, Rotwang semble avoir un lien particulier avec la ville souterraine : sa maisonnette, de style ancien et typiquement expressionniste (à comparer avec celle du Cabinet du Docteur Caligari) recèle en effet une trappe dissimulant un escalier en colimaçon menant directement aux catacombes. Rotwang vit un peu hors du temps, hors de la réalité et à cheval entre les deux mondes.

Il convient enfin de mettre en oposition la cathédrale, temple de la vertu qui doit élever l’humain au niveau spirituel, et le cabaret Yoshiwara, temple de la débauche, qui précipite l’être humain dans la déchéance.

Curieusement, le public allemand de l’époque n’a pas été très impressionné par les scènes montrant le panorama de Metropolis, avec ses gratte ciels à l’architecture si originale et futuriste, quasiment abracadabrante, que l’on n’en voit même pas de semblables de nos jours. Le film, qui a couté six millions de marks de l’époque, c’est à dire cinq millions de plus que le budget initialement prévu, a d’ailleurs été un échec commercial. Seuls certains artistes, notamment ceux de l’avant garde, le défendirent. Il est pourtant bourré de trouvailles de génie, comme l’invention de ce vidéophone qui permet à Fredersen de communiquer avec Grot, le contremaître. On remarquera en revanche l’aspect étonnement traditionnel des voitures circulant dans Metropolis, dont le design typique des années vingt contraste de façon étonnante avec l’aspect futuriste de la cité. Il en est de même pour les petits avions, sorte de “coucous” d’époque survolant les gratte ciels. Il n’en demeure pas moins que ce film de science-fiction a inspiré nombre de réalisateurs futurs, que ce soit pour l’élaboration de décors, la création de personnages ou la conception de robots (le Dr Folamour de Kubrick directement inspiré du personnage de Rotwang, ou C3PO, le robot de Star Wars, qui ressemble au robot-Maria), ou pour la description d’organisations sociales futures.

Nul doute qu’un réalisateur de la trempe d’Alfred Hitchcock a lui aussi puisé une part de son inspiration dans les mises en scène de Fritz Lang. La scène incroyable où l’on voit en gros plan la main de Freder, alors qu’il est prisonnier dans la maison de Rotwang, s’avancer pour s’emparer du morceau de vêtement de Maria en est la preuve. On aurait même presque envie de la qualifier d’hitchcockienne. De même, la scène montrant Freder, revenu de sa première exploration de la ville souterraine, tentant de plaider auprès de son père la cause de Josaphat, son bras droit qu’il vient de congédier, peut être qualifiée d’hitchcockienne : Fredersen, imposant, apparaissant dos à la caméra, prend toute la moitié droite de l’écran, tandis que son fils semble tout petit dans le coin gauche. Puis Freder recule, épouvanté par le haussement d’épaule indifférent de son père, et l‘effet de perspective le fait paraitre de plus en plus petit avant que son père n’occupe ensuite l’écran tout entier : Fredersen s’est imposé, c’est lui le Maître incontesté de la grande cité.

Fredersen n’empêchera pas que survienne la révolution, qui démarre après l’assassinat de Georgy sur fond des premières notes de la Marseillaise, déformées mais néanmoins parfaitement reconnaissables. Ce thème musical réapparaitra régulièrement lors des scènes montrant le déroulement de la révolte, étant entendu qu’il s’agit là de la version de Metropolis comportant la partition originale de Gottfried Huppertz.

Metropolis fut en effet décliné en de nombreuses versions. (C’est pourquoi certaines scènes décrites ici peuvent appartenir à une version, comme celle de 2001, et être différentes dans des versions antérieures ou plus récentes. Lang filmait en effet avec plusieurs caméra et, selon les versions, il arrive que l’on voit des prises différentes) A peine la première eut-elle lieu à Berlin, le 19 janvier 1927, que les distributeurs américains de la Paramount décidèrent que le film était trop long et pas adapté au spectateur américain (trop de symbolisme à leur goût, notamment), et engagèrent, pour le réécrire, l’auteur Channing Pollock, qui contribua à le massacrer purement et simplement. Apres avoir vu nombre de ses scènes coupées, son montage entièrement revu et ses intertitres réécrits, le film, dont plus du quart était passé à la trappe, était devenu méconnaissable. Pour exemple : les scènes où il était question de Hel furent bannies sous prétexte que les Américains risquaient de comprendre « Hell », ce qui signifie en anglais « enfer ». Les personnages ont même reçu de nouveaux noms bien américains pour cette version outre-Atlantique. On se demande comment il est possible de disposer ainsi du droit de modifier un film du vivant de son auteur, sans que celui-ci ne puisse rien faire pour empêcher le massacre. Cette modification du film fut désastreuse non seulement parce que de nombreuses scènes furent définitivement perdues, mais aussi parce que toute la compréhension de l’œuvre s’en trouva bouleversée. De plus, des illogismes dans le déroulement de l’histoire sont apparus du fait de ce remaniement profond. C’est ainsi que H.G.Wells, trompé par cette version amputée, déclara que Metropolis était le film le plus sot qu’il ait jamais vu. Metropolis n’est peut-être pas parfait, et son message social d’union entre la main et le cerveau loin d’être convaincant (3) mais en venir à porter ce jugement sur un tel chef d’œuvre montre bien l’étendue des dégâts sur le film !

Immédiatement après la version estampillée « Paramount », les Allemands sortirent leur propre “version courte” et, de versions en versions futures, toutes basées sur celle de la Paramount ou la version courte allemande, le film original fut perdu. Il n’existait en effet plus aucune copie de la version originale de 1927, telle qu’elle fut projetée lors de la première berlinoise.

Les tentatives de restauration du film commencèrent alors. En 1984, le compositeur Giorgio Moroder décide de sortir sa propre version du film, et se donne entière liberté pour le coloriser et lui adjoindre une bande son composée de musique pop et rock. On y entend en effet des morceaux de Freddy Mercury, Pat Benatar ou encore Bonnie Tyler. Curieux parti pris, c’est le moins que l’on puisse dire, dont on peut raisonnablement penser qu’il dénature complètement le film, tant cette musique, dont ce n’est pas le propos ici de contester la qualité, ne s’accorde pas, mais alors pas du tout, avec la nature des images. Il suffit de regarder un  ou deux  extraits pour constater à quel point le résultat obtenu, cette nouvelle version « américanisée » (qui a eu au moins le mérite d’attirer vers le film un public plus nombreux et plus jeune, et d’être cohérente dans la reconstitution des images, réintroduisant par exemple le personnage de Hel éliminé par la Paramount) est contestable, dans la mesure où la musique ne fait plus du tout partie intégrante du film, elle n’accompagne plus les images, ne renforce plus leur sens et ne donne plus au film cette beauté supplémentaire obtenue grâce à la partition de Gottfried Huppertz.

On peut remarquer dans cette partition originale, par exemple, la façon dont la musique accompagne Maria lorsqu’elle se retourne en sursautant (première scène dans les catacombes, lorsqu’elle n’avait pas remarqué que Freder était resté après la fin de la réunion), ou les coups de cymbales accompagnant les mouvements de faux de la Mort dans la scène où Freder est alité.

En plus du thème de la Marseillaise, de nombreux autres thèmes musicaux de la partition de Gottfried Huppertz sont régulièrement repris tout au long de l’orchestration, ce qui participe au rythme du film et contribue à lui donner toute sa cohérence. Le rythme est d’ailleurs un des éléments clés du film : rythme de l’horloge basé sur les dix heures que comporte une journée de travail, rythme des machines, ou rythme des ouvriers qui travaillent en cadence de façon parfaitement synchronisée.

En 1987, Enno Palatas, des Archives du Film de Munich, entreprit de restaurer le film, et travailla à partir d’une copie du Museum of Modern Art, essayant également de remettre la main sur des éléments manquants pour reconstituer une version satisfaisante. Des photos de tournage furent introduites pour palier certaines scènes manquantes. Cette nouvelle version fut une réussite.

En 2001, une nouvelle reconstitution, considérée alors comme la version définitive, vit le jour. Elle fut entreprise par la Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung, et notamment le Bundesarchiv-Filmarchiv de Koblenz. Dans cette version, les scènes manquantes, par exemple la scène durant laquelle Fredersen découvre, cachée derrière le rideau, la statue du visage de Hel, sont remplacées par des « cartons » blancs explicatifs. Les scènes mettant en jeu la trahison de Georgy (l’ouvrier qui avait échangé sa vie avec Freder), qui se rend au cabaret Yoshiwara au lieu d’aller attendre Freder comme convenu chez Josaphat, sont également absentes, ce qui enlève malgré tout un peu de compréhension au film. Cependant, le spectateur ne se rend compte de n’avoir pas tout saisi du scenario que lorsqu’il a vu la version « complète » du film, telle qu’elle est réapparue en 2008 à Buenos Aires, et qu’il a pu, de ce fait, comparer les différentes versions.

Car en 2008, le miracle se produit : une copie totalement oubliée du chef d’œuvre est découverte au Museo Del Cine de Buenos Aires. La longueur du film est de 145 minutes, ce qui fait d’elle la version la plus longue encore existante : en effet, les différentes versions antérieures ne dépassaient pas les 120 minutes environ, celle de Moroder n’en faisant plus que 80 ! C’est le branle bas de combat au petit musée argentin, les personnels ayant bien sûr immédiatement saisi toute l’ampleur de leur incroyable découverte.

La copie en 16 mm était extrêmement endommagée, et nécessitait donc un traitement particulier. Les restaurateurs ont effectué un travail de Titan, scannant les images une par une avant de les passer dans un logiciel pour les réparer. La restauration a duré deux ans ! Le résultat est saisissant, d’autant que certaines « nouvelles scènes » (et il y en a plus de quatre vingt dix !) (4) ont été laissées dans l’état où elles ont été retrouvées, car trop abîmées pour être manipulées, ce qui permet au spectateur non seulement d’apprécier, par le contraste que l’apparition de ces scènes engendre, la qualité exceptionnelle du travail fourni, mais également de vivre l’émotion que l’on doit ressentir lorsque l’on visionne pour la première fois un très vieux film que l’on croyait perdu a jamais, et que l’on vient de retrouver.

Le terme « complète » utilisé ci-dessus pour désigner cette version de 2008, a malgré tout été mis entre guillemets, car si vingt cinq minutes de film ont enfin été retrouvées, il manque toujours dans cette copie, malheureusement, la scène où Fredersen se querelle avec Rotwang dans sa petite maison, permettant ainsi à Maria, retenue prisonnière après le transfert de son apparence sur le robot, de s’échapper.

Il est tout de même étonnant que cette scène soit toujours manquante, puisque l’on peut lire que cette copie dérive directement de celle, originale, amenée en 1927 en Argentine par un producteur juste après la première berlinoise.

Parviendra-t-on un jour à retrouver ces mètres de pellicule présentant cette scène, les dernières minutes de pellicule manquantes, et reconstituer enfin Metropolis, seul film classé au patrimoine de l’UNESCO, tel que Fritz Lang l’avait toujours voulu ?

(1) Ciment, Michel. Fritz Lang. Le meurtre et la loi. Editions Découvertes Gallimard. 2003.

(2) A voir en intégralité sur YouTube.

(3) Fritz Lang déclara lui-même en 1959 : « La conclusion est fausse, je ne l’acceptais déjà plus quand je réalisais le film » (Tulard, Jean. Guide des films. Editions Robert Laffod, 1995.)

(4) Certaines scènes retrouvées ne durent que deux petites secondes, comme ce morceau montrant Freder et sa compagne dévisageant Maria et les enfants dans les Jardins Eternels.

Illustration : Couverture du DVD de la version restaurée de 2010. Source. 

Les photos du film ainsi que les affiches d’époque sont visiblement sous copyright et n’ont donc pas été intégrées dans cet article.

Liens :

Exposition à la Cinémathèque de Paris.

Site officiel de la version restaurée. En anglais. 

Ils n’ont parfois que dix ou douze ans, parfois un peu plus, parfois un peu moins, et pourtant ils se jettent déjà à corps perdu, du haut de leurs trois ou quatre pommes, dans la tourmente, s’il n’ont la chance de connaître un jour la pleine reconnaissance, que leur apportera leur engagement militant, voire leur activisme politique naissant.
Car ce sont bel et bien des enfants qui, en raison de circonstances politiques, économiques ou autres, au lieu de pouvoir mener une vie d’enfant normalement faite de rires insouciants, de jeux, d’imaginaire merveilleux et d‘apprentissage, décident avec une incroyable force de caractère, une conviction inébranlable et une extraordinaire volonté, de prendre en main non seulement leur destin, mais également celui des autres, et de se mettre totalement au service d’une cause dans laquelle ils placent tous leurs espoirs et pour laquelle ils sont prêts à s’oublier, parfois même se sacrifier, avec la naïveté et la foi propres à ceux, trop peu nombreux, qui cultivent la certitude que l’on peut encore changer le monde car un monde meilleur reste à notre portée.
Placés depuis leur plus jeune âge sous les feux des projecteurs médiatiques, peut être pour certains poussés par des adultes demeurant confortablement dans l’ombre, sans nul doute portés par cette candeur naturelle qui leur fait ignorer en partie le danger, même s’ils ont conscience des risques, et oublier la crainte, portés également par leur sensibilité intacte qui leur fait ressentir de manière plus intense et refuser de façon plus catégorique toute forme d’injustice, ces gamins hors du commun suscitent de part le monde l’admiration et une certaine forme de respect, mais peu d’entre eux, semble-t-il, pourront véritablement atteindre leur but ultime tant il est commun qu’un enfant, aussi mûr soit-il, aussi convaincant soit-il, ne sera jamais entièrement pris au sérieux par les adultes. Dans certains pays ou à certaines époques, il ne sera parfois même pas épaulé ni même secouru. Son discours n’est jamais réellement entendu, du moins sur le long terme, et même si l’on admet que son combat est plein de bon sens et de vérité, comment la petite voix d’un enfant de huit, dix ou douze ans pourrait-elle marquer de façon significative les esprits au point d’ébranler de façon durable un ordre bien établi, de modifier en profondeur des comportements, là où des adultes, parfois illustres, n’ont réussi -et c’est déjà beau- qu’à corriger sur le court terme, et de façon localisée, certaines injustices de leurs temps ? Et pourtant… Les enfants sont naturellement porteurs d’une sagesse naturelle qu’il serait peut être temps d’écouter.
Certains sont parvenus à faire bouger quelques montagnes, à défaut de pouvoir les déplacer vraiment, et cela suffit à donner un sens à leur engagement remarquable et désintéressé. Mais s’ils ont cherché à aller plus loin, s’ils se sont attaqués à des intérêts férocement protégés et qui les dépassaient, ils ont alors provoqué, en raison du charisme dont ils étaient dotés en tant qu’enfant et de leur extraordinaire force de conviction, de telles craintes chez les mafias qu’ils combattaient parfois, les profiteurs de tous poils, voire chez les pouvoirs en place, qu’ils y ont laissé la vie. Perdant tout à coup leur statut d’enfant à protéger, ne représentant plus qu’une menace dont il fallait coûte que coûte se débarrasser, ils sont soudain considérés au même titre que les adultes comme des gêneurs, des empêcheurs de tourner en rond, des symboles forts qu’il faut faire taire avant qu’ils ne soient devenus de futurs, si ce n’est actuels, meneurs influents derrière lesquels les foules vont se rassembler pour ensuite se mettre en marche vers plus de justice et de liberté.

C’est ce qui est arrivé très récemment au petit Hamza Ali Al Khateeb, treize ans, arrêté parce qu’il avait participé à une manifestation contre le régime de son pays, la Syrie, puis torturé à mort en raison du symbole qu’il représentait. Ils se sont acharnés comme des sauvages sur un enfant de treize ans.
Victime de la cruauté et de la folie des adultes alors qu’il ne souhaitait que faire entendre sa voix, c’est ce qui est également arrivé au petit Iqbal Masih que personne, espérons le, n’a jamais oublié. Iqbal est né au Pakistan en 1983. Vendu comme esclave dès l’âge de quatre ans par sa famille lourdement endettée, il doit trimer douze heures par jour dans une fabrique de briques, puis comme tisserand. Il est enchaîné jour et nuit, battu, corrigé par le fouet dès qu‘il commet la moindre erreur. Inimaginable au vingtième siècle, croit-on, et pourtant… Iqbal, avec son corps frêle affaibli par les mauvais traitements et la malnutrition, parvient à s’enfuir à l’âge de neuf ans et se lance l’année suivante, aidé par un avocat rencontré lors de sa fuite, dans un engagement militant contre l’esclavage moderne et le travail des enfants.
Engagement exceptionnel d’un gamin malgré tout ordinaire, où comment un enfant de dix ans peut, par son immense courage et sa détermination, en remontrer aux adultes eux mêmes.
Les média du monde entier vont relayer le combat d’Iqbal, qui est vite propulsé sous les feux des projecteurs. Le monde va faire de lui un mini-symbole, presque une curiosité. Le gamin raconte son expérience personnelle lors de nombreux discours en Europe et aux Etats Unis, et va lancer un poignant cri d’alerte afin de sauver les autres enfants esclaves. Mais le 16 avril 1995, Iqbal, alors âgé de douze ans, est froidement assassiné alors qu’il regagnait son domicile à vélo.
Son combat courageux aura permis de faire fermer de nombreux ateliers de fabrique de tapis au Pakistan et libérer des milliers d’enfants de l’esclavage. Il aura également laissé des traces sur le plus long terme, notamment sous la forme associative, ou avec le « Prix Iqbal Masih pour l'éradication du travail des enfants », mais fallait-il en arriver là, fallait-il vraiment qu’un enfant soit assassiné pour qu’on se décide enfin à changer les choses ? Et qu’en est-t-il réellement du combat d’Iqbal sur le long terme ? Qu’en est-il aujourd’hui, alors que le vingt et unième siècle est déjà bien entamé ? L’esclavage moderne existe toujours, le travail des enfants dans les pays du tiers monde aussi. Il revenait pourtant aux adultes de prolonger le combat d’Iqbal en montrant que sa mort avait provoqué une véritable prise de conscience, un électrochoc. Il revenait aux pouvoirs en place d’abolir immédiatement, et irrévocablement, toute forme d’esclavage moderne, toute forme de travail des enfants, et aux pays ayant les moyens de le faire de décider de donner aux pays pauvres les ressources nécessaires pour envoyer à l’école les enfants prisonniers du travail forcé. Au lieu de cela, le monde a été ému durant un temps par la mort d’Iqbal, profondément et sincèrement ému, et puis l’émotion est retombée et la Terre a continué de tourner.

L’espoir viendra peut être des enfants eux-mêmes, ne peut-on s’empêcher de penser en lisant une autre histoire, celle de Craig Kielburger, un jeune Canadien aujourd’hui âgé de vingt neuf ans qui fut si bouleversé par l’annonce, dans le journal Toronto Star, de la mort d’Iqbal Masih qu’il créa immédiatement avec onze copains de son école, et alors qu’il n’avait que douze ans à l’époque, une première association pour sauver les enfants du travail forcé. « Free The Children », à qui il continue aujourd’hui de consacrer sa vie, est désormais implantée dans de nombreux pays et soixante pour cent des fonds collectés pour l’association le sont par les jeunes eux-mêmes.

On n’a pas oublié non plus la petite Samantha Smith, jeune écolière américaine née en 1972, dont l’action n’a certes pas été héroïque comme a pu l’être celle du petit Iqbal Masih et qui n’a fort heureusement pas subi le même sort, mais qui a réussi, par la spontanéité et la sincérité de son engagement, à attirer de façon inédite l’attention du monde sur les problèmes de son temps. La lettre qu’elle envoya en novembre 1982 à Youri Andropov, le dirigeant de l’URSS, pour lui demander comment il comptait éviter une guerre nucléaire entre les USA et l’URSS, a marqué les esprits de l‘époque.
Cette lettre, à la naïveté touchante, celle d’une enfant de dix ans s‘adressant personnellement au dirigeant de l‘un des pays les plus puissants de la planète, aurait pu faire sourire ou ricaner, mais elle fut prise très au sérieux dans les deux camps, qui avaient pour habitude de se regarder en chien de faïence sans jamais vraiment communiquer. Les deux grandes puissances se mirent alors à communiquer par l’intermédiaire de Samantha. Récupération politique et médiatique ? Il y a sans nul doute une part de propagande dans la médiatisation qui fut faite de cette action, et il est évident que ce n’est pas l’intervention d’une enfant comme Samantha Smith qui aurait pu mettre un terme à la guerre froide, toujours est-il que le dirigeant soviétique répondit personnellement à la fillette, qui fut invitée à effectuer un voyage officiel derrière le rideau de fer. Samantha fut nommée « plus jeune ambassadrice des Etats Unis », et s’engagea ensuite de façon plus intense dans la promotion de la paix dans le monde avant de mourir durant l’été 1985, à l’âge de treize ans, dans un accident d’avion. Son décès, qui n’est pas lié à son activisme selon certains et orchestré selon d‘autres, émut le monde entier et marqua symboliquement les esprits. Mickael Gorbatchev envoya un message de condoléances à l’occasion des funérailles de la fillette.
Acte extraordinaire d’une jeune écolière malgré tout ordinaire, où comment il est possible à chacun de contribuer à changer, ne serait-ce que de façon infime, la face du monde. Aux adultes d’y croire vraiment aussi, et de prendre ensuite la relève avec la même foi, sans craindre le combat perdu d‘avance.

Les ONG sont évidemment nombreuses de part le monde, qu’elles défendent l’environnement, qu’elles œuvrent pour la paix ou qu’elles mettent en place des actions humanitaires ou médicales. Elle semblent cependant n’exister que pour jouer le rôle de béquilles soutenant un monde malmené par l’égoïsme et la soif de pouvoir de quelques uns, et l’inconscience, si ce n’est l’indifférence, de bien d’autres, et l‘empêcher de s‘écrouler totalement. Leur action est bien réelle, les personnes qui y travaillent, que ce soit en bénévolat ou non, sont toutes sincères dans leur engagement et ces ONG sauvent des milliers de vies ou protègent de la destruction tant de beautés sur cette Terre, mais on a presque le sentiment que l’espoir d’éradiquer définitivement la pauvreté, en finir une bonne fois pour toutes avec l’injustice, que la volonté de bâtir un monde meilleur s’éteignent peu à peu. Ne lève-t-on pas ponctuellement des fonds pour venir en aide à telle population en détresse, ne répare-t-on pas les dégâts à tel ou tel endroit de la planète qu’en attendant le cataclysme ou l’acte irresponsable suivants, qui causeront autant de pertes et détruiront autant de vies ? Quand un enfant, lui, s’empare d’une cause, et aussi jeune soit-il, il engage lui aussi toute son énergie, toute sa volonté, mais il s’engage avec l’idée fixe et la conviction inébranlable que non seulement son action sera un pansement sur les plaies à vif, mais qu’elle mettra finalement un terme aux maux de ce monde, et il y croit dur comme fer. On se demande même où et comment des êtres que l’on considère d’ordinaire comme si faibles et si vulnérables peuvent tirer une telle énergie, une telle volonté, une telle force.

Quelle force a ainsi pu pousser le petit Omar Castillo Gallegos, un enfant mexicain tout juste âgé de huit ans, à entreprendre en 1985 une marche de plus de mille deux cents kilomètres afin de rejoindre la forêt primaire de la province de Chiapas et attirer l’attention sur sa destruction ? Fort de cette expérience partagée avec son père, il parvint à obtenir une audience auprès du Président mexicain après avoir marché sept jours et six nuits autour de la place centrale de Mexico. L’année d’après, Omar organisa un rassemblement de plus de cinq mille enfants à Cancun dans le but de sauver un lac menacé puis reprit, cette fois à vélo, sa campagne à travers le Mexique afin de sensibiliser les gens qu’il rencontrait en chemin aux problèmes de pollution des mers, des rivières et des lacs. Omar reçut le prix Global 500 Roll of Honour des Nations Unies pour son action, et fit des émules, notamment en Amérique Latine, parmi lesquelles la petite Janine Licare, qui fonda en 1999, alors qu’elle n’avait alors que neuf ans, sa propre ONG, Kids Saving The Rainforest, pour sauver la forêt du Costa Rica et mettre en place des programmes d‘éducation.

Retour en situation de conflit. On retiendra notamment l’organisation pacifiste PostPessimits, fondée en 1995 par deux adolescents de quinze ans : Ivan Sekulovic, Serbe du Kossovo, et Petrit Selimi, Albanais du Kossovo. Les membres de cette ONG ont entre huit et seize ans. A l’époque de sa création, les enfants serbes et albanais étaient séparés au point qu’ils ne fréquentaient même pas les mêmes écoles… Les appels qu’ils lancèrent furent relayés par les radios serbes et albanaises, alors même que ces médias s’affrontaient traditionnellement. Les PostPessimists ont réussi à prouver que la cohabitation des groupes ethniques différents était tout à fait possible.
Action exemplaire de deux gamins que tout semblait vouloir séparer, ou comment des jeunes peuvent donner l’exemple aux adultes au point de leur pointer du doigt la voie qu’il convient de suivre.
Marqué par le conflit que connaissait son pays, la Colombie, par le spectacle à la télévision de la mort d’une fillette, victime d’une mine antipersonnel, puis par l’annonce de la mort de deux de ses amis, eux aussi victimes de mines antipersonnel, le jeune Gerson Andrés Flórez Pérez écrivit en 1997, à l’âge de onze ans, une chanson et décida de reverser tous ses droits d’auteur aux associations venant en aide aux enfants colombiens victimes de ces mines. Il commença ensuite à parler au nom des enfants de Colombie, écrivit en 1998 un appel à la paix intitulé « Enfants de la Paix » qui fut à l’origine du « Mouvement des Enfants pour la Paix », approuvé par référendum par des milliers d‘enfants colombiens. Gerson Andrés Flórez Pérez participa en 1999 au premier Appel Pour La Paix de La Haye, pour lequel il leva des fonds importants en vendant des “pins”. Il est à noter que le combat de Gerson Andrés Flórez Pérez ne fut pas toujours perçu de façon positive par les adultes, ce qui ne l’a pas empêché de poursuivre son action pour l’éradication des mines antipersonnel en Colombie.
Il existe un prix, le Global Youth Award for Peace and Tolerance, pour récompenser les jeunes ayant œuvré pour la paix dans le monde. Gerson Andrés Flórez Pérez en a été l’un des lauréats en 1999.

Iqbal Masih, Samantha Smith, Omar Castillo Gallegos, Janine Licare, Gerson Andrés Flórez Pérez et tant d‘autres… Il y a des moments où l’on aimerait que, de temps en temps, le Prix Nobel de la Paix lui-même revienne de droit à des enfants comme ceux là. On y viendra peut être un jour, Gerson Andrés Flórez Pérez ayant été nominé une fois pour ce prix prestigieux. Il n’est pas interdit de penser que les enfants croient plus en la paix que les adultes eux-mêmes, et l’on souhaiterait même que ce prix soit parfois accordé, pour certains d’entre eux, à titre posthume.
Le mot de la fin, lui, reviendra de droit à Gerson Andrés Flórez Pérez : « Beaucoup d’adultes ne croient pas aux enfants. Ils pensent que nous sommes seulement le futur, mais nous sommes aussi le présent. »

Séquence nostalgie et concert mythique pour ce joli mois de mai... Un petit retour en arrière dans les années 70 pour revoir et apprécier quelques vidéos de The Band sur scène.

Le 25 novembre 1978, jour de Thanksgiving aux USA, The Band donne un concert à San Francisco, annoncé comme leur dernier, où de nombreuses et prestigieuses guest stars (et pas n'importe lesquelles !!) feront leur apparition sur scène : Neil Young, Muddy Waters, le génie Eric Clapton, le grand, l'immense Bob Dylan... Ce concert devenu mythique a été remarquablement filmé par Martin Scorsese, et la partie musicale a été enrichie de séquences d'interviews, principalement de Robbie Robertson.

The Last Waltz...

Don't do it. (Début du film de Scorsese.)

http://www.youtube.com/watch?v=_csn7KtVeOU&feature=related

Avec comme Guest Star Eric Clapton, que je considère, et je suis évidemment loin d'être la seule, comme le plus grand guitariste de rock de tous les temps. Duo guitaristique légendaire entre Clapton et Robertson... A savourer sans modération !

http://www.youtube.com/watch?v=1WDmMWF83x4

The Night they Drove Old Dixie Down.

http://www.youtube.com/watch?v=sMHyovwX7JM

Avec comme Guest Star, le formidable Neil Young.

http://www.youtube.com/watch?v=J2z7LXpAX3Q

It Makes no Difference.

http://www.youtube.com/watch?v=nJXc0NRCmRQ

Avec comme Guest Star le grand, l'immense Bob Dylan, que j'adore !! Toujours impeccable sur scène !

http://www.totallyfuzzy.net/ourtube/bob-dylan/forever-young-the-last-waltz-live-video_1c04a1007.html  (peut mettre un peu de temps à se charger)

Ils s’appellent les « Poreotix », « Jabbawockeez », « We Are Heroes » ou encore « Quest Crew », leurs noms ne vous dit peut être rien, et pourtant ils sont adulés par la jeunesse américaine, mais aussi par celle de bien des ailleurs. A peine montés sur scène, avant même leur chorégraphie entamée, déjà la salle s’enflamme, le public se lève et bouge avec eux. Stars incontestées de la scène Hip Hop, Poreotix, Jabbawockeez, We Are Heroes ou Quest Crew font partie des plus incroyables et talentueuses équipes de danse qui se sont produites ces dernières années à l’occasion de shows et d’exhibitions, ou lors de concours, comme le championnat du monde « Hip-Hop Internationals », ou le non moins renommé « America’s Best Dance Crew », qui décerne chaque année le titre de meilleure équipe de danse des Etats Unis. Cinq concours de l’ABDC ont déjà eu lieu, chaque équipe citée ayant remporté l’une des éditions passées. Les premières épreuves de la sixième édition débutent le 7 avril 2011.

Tant de dynamisme, de bonne humeur et d’enthousiasme ne peuvent qu’être contagieux. Tant de travail, de précision, de perfectionnisme, d’imagination, de persévérance et de dépassement de soi méritent également d’être soulignés. Toutes ces qualités sont celles prônées par la culture Hip Hop, car, pour qui en douterait encore, c’est d’une véritable culture dont il s’agit, une culture jeune et urbaine, une culture vivante, avec son histoire mais résolument tournée vers l’avenir, avec son évolution, ses valeurs et ses traditions. Plus encore qu’une culture, c’est un mode de vie, une véritable communauté qui, idéalement, regroupe et unit des gens du monde entier, un monde en soi qui possède ses nombreux styles, son langage, ses codes et ses pratiques. Un monde en soi peut-être, mais certainement pas un monde fermé, remplié sur lui-même. Certains parlent même d’une véritable « conscience collective ». Cette expression, il fallait oser la lancer. C’est fait. Et depuis 2001, le mouvement possède même sa « Déclaration de Paix », présentée officiellement à l’ONU.

Hip Hop, késako ?

Née dans les années 70 dans les ghettos Noirs de New York, la culture Hip Hop compte désormais de fervents adeptes dans le monde entier. Pour résumer, le Hip Hop, c’est vaste ! Ca regroupe de nombreuses et diverses disciplines. Ainsi, on mélange parfois le Hip Hop et le Rap, alors que ce dernier est un genre musical appartenant à la culture Hip Hop, et non le mouvement dans son ensemble. Car le Hip Hop, qui regroupe aussi bien des disciplines musicales que des styles de danse, de la poésie, ou encore de l’art pictural, c’est aussi le Break Dance (dont tout le monde connaît le style acrobatique effectué à même le sol), le Smurf, le DJing, le Slam, le Beatboxing, le Popping (qui nous intéresse plus particulièrement ici), le Mix… On en a déjà la tête qui tourne… Sans oublier les graffitis, nés eux aussi à New York dans les années 70 et réalisés au moyen de bombes aérosols, qui ornèrent pendant longtemps les rames du célèbre Subway et dont certains constituent de véritables et magnifiques œuvres d’art.

L’expression Hip Hop viendrait de l’addition du terme argotique américain « hip » signifiant « intelligence », et « hop », qui est l’onomatopée du saut, mais d’autres interprétations existent. On attribuerait ainsi également l’expression à Malcolm X.

Le Hip Hop, c’est tout ça, et pourtant ses divers artistes, comme ses fans, ne s’expriment pas forcément dans toutes les disciplines, mais choisissent au contraire de se spécialiser. Ainsi, on peut aimer le Popping sans aimer la Break Dance ou le Rap, ou bien être slammeur sans pratiquer de discipline de danse ni faire de graffitis, etc. Il paraît difficile, par conséquent, de dire qu’on aime le « Hip Hop » dans son ensemble, à moins de se reconnaître dans tous ses courants artistiques et toutes ses disciplines.

L’ABDC , c koi ?

Chaque semaine, lors des épreuves éliminatoires, les groupes doivent relever un défi que le jury leur lance. Ce défi peut être différent d’une équipe à l’autre. C’est ainsi que pour l’anniversaire de la sortie de l’album « Thriller » de Mickael Jackson, les participants furent conviés à danser sur l’un de ses titres. Lors d’une autre épreuve, une équipe avait pour consigne de donner l’illusion de défier les lois de la pesanteur. Tout un programme… C’est lors de tels défis que la créativité, l’imagination et l’originalité, en plus du talent et du travail, doivent entrer en jeu et faire leurs preuves.

Ajoutons deux autres qualités à celles déjà énumérées. Tout d’abord l’humilité, car il en faut pour affronter, une fois sa prestation effectuée devant une salle bourrée à craquer, les critiques du jury, dont font partie des personnalités du monde de la musique comme JC Chasez (producteur, compositeur…) et la jeune Lil Mama  (chanteuse, compositrice, rappeuse).

Franches et directes, ces critiques, lorsqu’elles doivent être négatives, n’en sont pas moins constructives, car formulées avec indulgence et toujours accompagnées de conseils pour s’améliorer, de remarques concernant les points positifs de la prestation et d’encouragements pour la suite. Car il ne s’agit bien évidemment pas de casser les concurrents, mais de leur faire prendre conscience de leurs défauts, des aspects qu’ils doivent retravailler, dans le but de les aider à se dépasser, leur permettre de donner le meilleur d’eux-mêmes et pourquoi pas atteindre les sommets. Lors des plus belles prestations, les plus travaillées, les plus originales, le jury est unanime et les compliments fusent de toutes parts, sous l’ovation du public.

L’autre qualité, non moins indispensable, pour durer dans la compétition, est l’esprit d’équipe et l’unité de groupe. En effet, lorsque la chorégraphie n’est pas parfaitement synchronisée, c’est la prestation de groupe dans son ensemble qui en pâtit. Les meilleures équipes sont celles qui donnent l’impression de ne pas compter quatre, cinq ou six danseurs dans leur rangs, mais de ne faire qu’un. Toutes les équipes participant à l’ABDC, qui ont chacune leur style bien à elle, possèdent cette qualité, mais l’unité parfaite, c’est sans aucun doute chez Poreotix et Jabbawokeez qu’on l’a trouvée.

Poreotix, autrefois (et souvent encore) orthographié Poreotics (de « Popping Choreography Robotics »), a été formé en 2007. Leur style, comme leur nom l’indique, mêle le Popping et la Robot Dance, dont Mickael Jackson fit une démonstration ahurissante dans les années 70, à l’époque des Jackson 5 (A partir de la minute 1.02 de la vidéo -non, la séquence n’est pas filmée en accéléré !!)

Le groupe a pour signe de reconnaissance les lunettes noires toujours portées sur scène. Poreotix, qui ne manque pas d’humour, n’hésite pas à tirer parti des accessoires les plus inattendus pour leurs mises en scène.

Le groupe possède désormais sa version junior, les « Miniotics », une bande de gamins espiègles, joyeux et sacrément talentueux, découverts grâce à des auditions. Les Miniotics comptent actuellement trois filles dans leurs rangs et dansent déjà comme des petits pros ! Ils se sont produits pour la première fois sur scène avec Poreotix le 30 janvier 2011. Bien sûr, les Miniotics portent aussi des lunettes noires sur scène. La relève, ou plutôt la complémentarité, semble assurée !

Jabbawokeez, également orthographié JabbaWokkeeZ, a été formé en 2004 et tire son nom du poème « Jabberwocky » de Lewis Caroll. Leurs signes de reconnaissance sont les masques blancs (plus rarement rouges) et gants blancs portés sur scène. Après de nombreuses épreuves éliminatoires, Jabbawokeez a remporté la toute première édition de l’ABDC.

We Are Heroes, quant à elle, a la particularité d’être une équipe composée uniquement de filles. Car les filles ne sont pas à la traîne dans le monde du Hip Hop, et ont su se faire une place au soleil dans les disciplines de la danse, comme c’est le cas ici, ou de la musique. We Are Heroes, qui en est un bon exemple, a présenté au fil des semaines des prestations aux styles très diversifiés. L’équipe a remporté la quatrième édition de l’ABDC.

Mickael Jackson est cité comme modèle par de nombreux groupes, mais aussi Chris Brown, dont les acrobatiques Quest Crew, vainqueurs de la saison 3, interprétèrent de façon saisissante le morceau « Forever » lors de l’une de leurs prestations.

Et pour finir…

Ce concours de l’ABDC est parfois qualifié de simple émission de télé réalité. Il en a peut être l’ambiance, mais il est pourtant bien plus que cela. Le « show » n’a pas vraiment la vocation de découvrir ou former de nouveaux talents, puisqu’il met en scène des groupes souvent connus, voire déjà reconnus, dans le monde du Hip Hop, et dont les prestations scéniques sont souvent d’un niveau très élevé. Il faut d’ailleurs souvent un œil de connaisseur pour déterminer les différences de niveau entre les équipes, ou entre les différentes prestations d’une même équipe au fil des épreuves, et il arrive que l’on ne comprenne pas bien les motivations du jury à maintenir telle équipe dans la compétition, et choisir d’éliminer telle autre.

Les équipes ayant précédemment participé au concours, y compris celles l’ayant remporté, ne se représentent pas à l’édition suivante. Chaque fois, de nouvelles équipes arrivent, qui impriment leur style à la compétition, et tentent elles aussi d’occuper le terrain jusqu’au bout, pour finalement décrocher la couronne.

Cette année, dix nouvelles équipes, dont Eclectic Gentlemen, que l’on voit ici en répétition, participeront à la sixième édition. Pour la première fois de la compétition, des danseurs de tous âges ont été admis à se présenter aux auditions.

Pour tous ces groupes, mais aussi pour ceux du futur, il y a eu, et il y aura, un avant, et un après « ABDC », si tant est bien sûr que la compétition continue d’exister à l’avenir. Elle est devenue un passage presque obligé, et le Titre fait office de véritable consécration pour les équipes qui le remportent. L’ABDC a déjà ouvert de nombreuses portes aux équipes victorieuses : propositions de spectacles, rôles dans des films, création d’écoles pour les juniors (voie récemment ouverte par Poreotix)… Certaines équipes sont devenues de véritables stars.

La compétition est également profitable aux équipes recalées qui, au-delà de la déception d’avoir été éliminées en chemin, parfois même si près du but, peuvent se glorifier d’avoir été sélectionnées lors des auditions, ce qui est déjà une sacrée performance, de s’être fait un nom dans le monde du Hip Hop, de s’être mesurées aux autres meilleures équipes et finalement, quelque soit le résultat, d’avoir participé, tout simplement, dans une atmosphère toujours festive, un esprit résolument positif et une ambiance de fair-play et de respect mutuel entre tous les concurrents.

En dehors de certaines dérives apparues dans l’univers du rap, notamment du fait de la violence ou du sexisme contenus dans certains textes, qu’il faut évidemment condamner, le Hip Hop, c’est tout ça, un monde bouillonnant d’idées, de créativité, d’enthousiasme, de passion et d’énergie, et on aurait tord de se priver de s'intéresser à cette culture, car si c’est déjà tout cela, c’est sûrement beaucoup plus encore.

Source de l'image.

Ce mois ci, mais aussi pour le mois d'avril, mois du triste anniversaire des 25 ans de Tchernobyl, mon choix musical se porte sur la série de concerts NO NUKES (pas de nucléaire) qui a eu lieu à New York en septembre 1979. C'est loin déjà...

Ces concerts avaient été donnés pour mobiliser la population, après la catastrophe le 28 mars 1979 de la centrale de Three Mile Island, contre le nucléaire.

Depuis, il y a eu Tchernobyl....

Et maintenant Fukushima...

On va continuer longtemps, comme ça, à "faire mumuse" avec le nucléaire ??

Maintenant, ça suffit ! Le nucléaire a déjà suffisamment tué comme ça dans le monde !

Quant à nous, arrêtons de croire (pour changer...) que la France est au dessus du reste du monde, qu'elle sait mieux que les autres, et que rien ne peut nous arriver. Que rien ne puuisse nous arriver, c'est peut être vrai actuellement, mais qu'en sera-t-il dans vingt, trente... ou cinquante ans, quand nos centrales auront tellement vieilli que n'importe quoi pourrait leur arriver ?

Sommes nous donc INCAPABLES intellectuellement de voir sur le long terme ? Notre cerveau est-il si limité qu'il nous soit impossible de prendre des décisions profitables à un avenir plus lointain que les cinq ans d'un mandat électoral ?

Que ce soit en France ou dans le reste du monde, il est désormais devenu urgent, mais aussi INEVITABLE de sortir du nucléaire.

Car on a dû croire, à l'époque de Three Mile Island, que jamais rien d'aussi grave n'arriverait plus nulle part dans le monde.

On a aussi cru, à l'époque de Tchernobyl, que rien de semblable ou d'aussi grave n'arriverait plus nulle part dans le monde.

Et on croira sans nul doute, après Fukushima, que rien de semblable ni d'aussi grave n'arrivera plus nulle part dans le monde...  

Je ne sais pas quand, peut être dans très longtemps, personne ne sait quand, mais une chose est désormais sûre : on en reparlera la prochaine fois...

Quelques mots sur la série de concerts, sur Wikipedia.

http://www.youtube.com/watch?v=BjA9I4FqsQg&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=ziWFWAVdtHQ

http://www.youtube.com/watch?v=er9Ox4szxag

http://www.youtube.com/watch?v=dqzewuKa7Qg&feature=related

Réseau Sortir du Nucléaire.